Mancano poche ore all’apertura della prevendita dei biglietti, ma Spider-Man: Brand New Day ha già scosso la community con un dettaglio inatteso. La sinossi ufficiale appena pubblicata sul sito del film contiene una frase che ha subito fatto scattare l’allarme tra i fan: un “potente nemico che nessuno può nemmeno vedere”. Una scelta di parole che sposta l’asticella della curiosità molto più in alto rispetto ai riassunti diffusi finora.
La sinossi che cambia le carte in tavola
Il testo integrale non lascia spazio a interpretazioni rassicuranti: “Per Peter Parker è un giorno nuovo. Combattere il crimine a tempo pieno nei panni di Spider-Man in un mondo che non lo ricorda – e la pressione di vedere i suoi vecchi amici proseguire senza di lui – innesca in Peter un cambiamento che forse non è in grado di controllare. Ma quella trasformazione potrebbe anche essere l’unica cosa in grado di fermare una nuova, scioccante minaccia per la città e per coloro che ama: un potente nemico che nessuno può vedere. Il mondo avrà dimenticato Peter Parker, ma lui non ha dimenticato nessuno.”
La chiave è tutta in quell’inciso finale. Non si parla di un villain semplicemente misterioso, ma di una presenza che sfugge alla percezione visiva. L’indizio ha riacceso il toto-nomi su chi si celi davvero dietro la nuova minaccia.
I sospetti già noti e l’ombra di Jean Grey
Sul fronte dei cattivi, il cast confermato offre già una discreta affollamento: Scorpion, Tarantola, Boomerang, The Hand, Tombstone e, a quanto sembra, una versione corrotta di Hulk. Ma nessuno di loro corrisponde al profilo di un avversario letteralmente invisibile.
Le voci più insistenti continuano a puntare su Sadie Sink, indicata da tempo come possibile Jean Grey. Potrebbe Marvel aver scelto di riproporre il personaggio mutante in una veste inedita, lontana dall’eroina che conosciamo? L’idea è suggestiva, anche se al momento resta una speculazione. Il trailer offre comunque un appiglio concreto: ha mostrato un antagonista capace di controllare le menti o di possedere altre persone. E Jean Grey, con i suoi poteri telepatici, rientrerebbe perfettamente in questo schema.
La produzione sta mantenendo un riserbo assoluto, preferendo giocare sull’ambiguità piuttosto che scoprire le carte.
Un racconto che scava nel personaggio
Più che sul colpo di scena finale, Marvel sta puntando i riflettori sul nucleo emotivo della storia. Peter Parker esce da No Way Home con una ferita che non si è ancora rimarginata: vive isolato, ignorato da un mondo che lo ha dimenticato, costretto a osservare i suoi vecchi amici andare avanti senza di lui. Brand New Day si preannuncia come un capitolo più intimo e doloroso, con una posta in gioco personale che pesa quanto la minaccia esterna.
Si tratterà inoltre del film di Spider-Man più lungo mai realizzato: due ore e mezza che promettono spazio per lo sviluppo dei personaggi e per una tensione narrativa costruita con calma.
Quando arriva in sala
Spider-Man: Brand New Day uscirà nelle sale italiane il 29 luglio.
C’era un tempo in cui fermare un’invasione aliena significava schivare sciami di insetti cyborg e impedire che costruissero razzi proprio sopra la tua testa. Quel tempo è il 1980, e il gioco si chiama Space Cyclone. Dal 18 giugno, lo sparatutto firmato Taito torna ufficialmente su schermi contemporanei grazie alla doppia pubblicazione firmata Hamster, che lo propone sia nella collana classica Arcade Archives sia nella più recente linea Arcade Archives 2.
L’operazione copre un parco piattaforme ampio. La versione Arcade Archives 2 di Space Cyclone sarà disponibile su PlayStation 5, Xbox Series e Nintendo Switch 2. La versione standard Arcade Archives arriverà invece su PlayStation 4 e Nintendo Switch. In entrambi i casi, la data è la stessa: 18 giugno.
Un classico Taito su (quasi) tutte le piattaforme
L’edizione Arcade Archives 2 sarà proposta a 8,99 €, mentre la versione Arcade Archives costerà 6,99 €. Hamster ha inoltre previsto un percorso di aggiornamento a pagamento: chi possiede già l’edizione standard potrà passare alla versione Arcade Archives 2 con un piccolo esborso aggiuntivo di circa 3 €.
Space Cyclone è uno sparatutto a schermata fissa. La missione è tanto immediata quanto tesa: abbattere i BEM, creature ibride tra insetti e macchine, prima che atterrino sui meteoriti e completino la costruzione di razzi nemici. Se ci riescono, il giocatore si ritrova sotto il fuoco dei letali Cyclone Shots. Niente checkpoint, niente tregua. Solo riflessi e gestione dello spazio.
Fedeltà arcade, con qualche comodità in più
Come da tradizione per la serie Arcade Archives, Hamster punta a una riproduzione filologica dell’originale. Dentro la modalità Original Mode si trovano tutte le funzioni moderne che ormai contraddistinguono la collana: impostazioni di difficoltà e visualizzazione, rimappatura completa dei tasti, fuoco rapido, salvataggi multipli in qualsiasi momento e la funzione di riavvolgimento per cancellare l’ultimo errore. Per chi cerca l’effetto nostalgia senza compromessi, alcuni titoli includono anche filtri video che simulano l’aspetto dei vecchi monitor CRT.
Sul fronte competitivo, le modalità Hi Score Mode e Caravan Mode restano il cuore pulsante delle classifiche online, dove i giocatori di tutto il mondo possono confrontare i propri punteggi.
Time Attack e VRR: cosa cambia con Arcade Archives 2
La vera differenza tra le due edizioni è il Time Attack Mode, esclusiva della linea Arcade Archives 2. Qui l’obiettivo non è accumulare punti, ma tagliare il traguardo finale nel minor tempo possibile. Una variante secca, pensata per chi ha già memorizzato ogni pattern e vuole misurare la propria efficienza contro il cronometro.
A livello tecnico, Arcade Archives 2 introduce il supporto al Variable Refresh Rate (VRR), per restituire la fluidità originale dei cabinati senza scatti o rallentamenti. Un dettaglio che farà la differenza per i puristi e per chiunque giochi su display moderni ad alta frequenza.
L’appuntamento con Space Cyclone è per il 18 giugno. Che si punti alla vetta delle classifiche globali o si voglia semplicemente riscoprire un pezzo di storia dei videogiochi, il classico Taito arriva con tutto il necessario per farsi apprezzare — e con una modalità inedita pronta a cambiare le regole.
Nel nuovo tassello cinematografico della Terra di Mezzo si muove una figura inedita, letale e fedelissima al Reame Boscoso. Warner Bros. ha confermato che Anya Taylor-Joy si unisce al cast de The Hunt for Gollum, il prequel destinato a colmare gli anni che separano Lo Hobbit da La Compagnia dell’Anello. L’attrice interpreterà Seren, un’elfa Sindar che la produzione descrive come agente fidata e micidiale agli ordini di Re Thranduil, ruolo che vedrà il ritorno di Lee Pace.
Seren, l’Elfa inedita del Reame Boscoso
La nota ufficiale non lascia spazio a interpretazioni: Seren è “un’elfa Sindar del Reame Boscoso, fidata e micidiale agente di Re Thranduil”. Una creazione originale per il film, pensata per inserirsi nell’universo tolkieniano con una presenza che promette azione e profondità, all’interno di un cast già ricco di nomi noti e di nuove leve.
L’ingresso di Taylor-Joy nel franchise non sorprende, considerata la sua abitudine a navigare tra grandi saghe. Dopo il ruolo che l’ha imposta in The Witch di Robert Eggers, l’attrice ha prestato la voce a Peach in Super Mario Bros. – Il Film e nel sequel ambientato nella Galassia di Mario, è stata la furente Furiosa nell’ultimo capitolo di Mad Max e comparirà in Dune: Parte 3 dopo un passaggio-lampo nella seconda parte. Il curriculum include anche lo spin-off X-Men The New Mutants e la serie Peaky Blinders, dove ha vestito i panni di Gina Gray.
Un’orchestra di grandi nomi
The Hunt for Gollum non bada a spese quando si tratta di volti noti. Andy Serkis tornerà davanti e dietro la macchina da presa nei panni di Sméagol/Gollum, dirigendo al contempo l’intera operazione. Ian McKellen riprenderà il mantello di Gandalf ed Elijah Wood quello di Frodo Baggins. Jamie Dornan erediterà il personaggio di Strider da Viggo Mortensen per una versione più giovane del futuro re, Kate Winslet darà volto a Marigol e, come detto, Lee Pace sarà di nuovo Thranduil.
Prossima fermata: dicembre 2027
Annunciato nel corso del 2024, il film esplora le vicende che corrono tra le due trilogie, scavando in un periodo finora poco esplorato sul grande schermo. La sceneggiatura porta le firme di Fran Walsh, Philippa Boyens, Phoebe Gittins e Arty Papageorgiou, mentre la produzione vede il ritorno del team storico accanto a Peter Jackson in veste di produttore esecutivo.
L’uscita del film è fissata per il 17 dicembre 2027. Con un parterre di interpreti di questo peso e una storia ancorata a uno degli intervalli più carichi di mistero dell’universo tolkieniano, il prequel si prepara a infiammare il dibattito e l’attesa dei fan di tutto il mondo.
Ha attraversato da protagonista vent’anni di Call of Duty, prima come capo della tecnologia e poi alla guida dello studio. Ora Mark Gordon ha deciso di chiudere il suo lungo capitolo in Treyarch per dedicarsi a nuovi progetti personali. L’annuncio arriva direttamente dal team californiano, che affida la successione a due figure interne di grande esperienza.
Dal ruolo di CTO alla direzione dello studio
Gordon era entrato in Treyarch nel maggio 2005 come Chief Technology Officer, contribuendo fin da subito all’ossatura tecnica di una serie destinata a diventare un colosso globale. A novembre 2016 aveva assunto la carica di studio head – il ruolo di massima responsabilità creativa e organizzativa – mantenendola fino a oggi. Nel messaggio diffuso dallo studio si legge: «Dopo 22 anni straordinari in Treyarch, il nostro Mark Gordon ha deciso di ritirarsi dal ruolo di studio head per concentrarsi sul suo prossimo capitolo».
Hendrickson e Miller: due carriere dentro Treyarch
A raccogliere il testimone saranno Kevin Hendrickson e Yale Miller, nominati co-studio head. Entrambi portano in dote decenni di lavoro all’interno del franchise, tra sviluppo diretto e ruoli di coordinamento. Il comunicato ufficiale sottolinea come i due uniscano «decenni di esperienza nello sviluppo e nella direzione, insieme a una profonda conoscenza del gioco e un impegno condiviso verso la cultura e l’ambizione creativa di Treyarch». Una scelta che garantisce continuità, senza strappi, in un momento delicato per la serie.
I capitoli firmati da Gordon
L’impronta di Gordon attraversa alcune delle campagne più iconiche di Call of Duty. Ha lavorato a Call of Duty 2: Big Red One e Call of Duty 3, per poi essere tra i protagonisti della svolta rappresentata da World at War e dell’intera saga Black Ops. Proprio a questi titoli lo studio ha voluto legare il saluto: «Siamo incredibilmente grati a Mark per la sua guida costante e la profonda cura per lo studio, la sua cultura e le sue persone. Il suo impatto sul franchise è stato incommensurabile».
Con Hendrickson e Miller al timone, Treyarch si prepara a una nuova fase, forte di una leadership plasmata all’interno e capace di tenere insieme eredità tecnica, ambizione creativa e stabilità del team.
A cinque weekend dall’uscita, Obsession continua a dominare il box office globale con numeri che nessuno avrebbe osato pronosticare per un horror a basso budget. Eppure Curry Barker, il regista che ha acceso la miccia del fenomeno, non ha nessuna intenzione di correre verso un sequel. In un’intervista rilasciata a The Hollywood Reporter, il giovane filmmaker ha spiegato perché preferisce prendersi il tempo necessario prima di riportare il pubblico nel mondo del One Wish Willow.
Tutti gli occhi sono puntati su di lui, e Barker lo sa. La domanda non è se arriverà Obsession 2, ma quando e come. La risposta, per ora, è una sola: con calma.
L’Eredità del One Wish Willow
“Non voglio passare direttamente a Obsession 2”, ha tagliato corto Barker quando gli è stato chiesto cosa vuole evitare nel suo futuro. “Ho un’idea talmente bella che non la svelo.”
Il regista ha voluto precisare che non sta parlando di un’attesa di cinque o sei anni. Semplicemente, non vuole bruciare le tappe del ritorno di Nikki. La fiducia nel pubblico, però, è totale: “Credo che la gente sarebbe entusiasta allo stesso modo anche se il sequel arrivasse un po’ più avanti. È tutto un turbine, sto ancora cercando di capire come muovermi.”
Un successo da 286 milioni (con 750mila dollari)
Lanciato il 15 maggio nelle sale di tutto il mondo, Obsession ha sbriciolato ogni aspettativa. Con Inde Navarrette nei panni di Nikki, Michael Johnston in quelli di Bear, Cooper Tomlinson come Ian e Megan Lawless nel ruolo di Sarah, il film distribuito da Focus Features ha trasformato la formula “attenzione a ciò che desideri” in un assegno da oltre 286,49 milioni di dollari a livello globale.
Cifre che farebbero invidia a molti blockbuster Marvel, ma che per un horror realizzato con circa 750mila dollari di budget assumono i contorni di un’anomalia. Obsession non è solo il film del momento: è già uno dei successi più dirompenti dell’ultimo decennio.
Antologia o sequel?
Fino a oggi Barker è rimasto volutamente vago sull’evoluzione del One Wish Willow e sul destino della saga. Ha però lasciato intravedere una strada alternativa: una serie antologica in cui ogni episodio segue un nuovo personaggio e un nuovo desiderio.
“Il bello di questa premessa è che c’è tantissimo da esplorare. Non si tratta propriamente di un sequel”, ha spiegato. “È solo un nuovo ragazzo o una nuova ragazza con un One Wish Willow: cosa desidera e come quel desiderio le stravolge la vita? Ci sono così tante storie da raccontare.”
Un’intuizione che allargherebbe l’universo narrativo senza tradire l’essenza del primo capitolo, lasciando aperta anche la porta a un eventuale Obsession 2 più tradizionale.
Il prossimo passo: Texas Chainsaw Massacre
Mentre l’idea del sequel prende forma senza fretta, Barker ha già accettato una sfida diversa e ingombrante: un nuovo capitolo del franchise di Non aprite quella porta. Un progetto con più carne al fuoco – letteralmente – su cui il regista ha le idee molto chiare.
“Non mi interesserebbe se non pensassi di poter trovare un modo che risulti fresco e nuovo, pur rispettando l’originale”, ha detto. “Il canone è piuttosto confuso, quindi non c’è granché a cui restare fedeli, a parte il primo film. Voglio spaventare una nuova generazione con quella sensazione da ‘E se andassi in viaggio con gli amici e ti succedesse questo?’. Voglio recuperare la crudezza e la concretezza dell’originale.”
Barker è appena all’inizio e già si muove tra un horror da record e un mito del cinema di paura. Due binari paralleli che promettono di tenere alta l’attenzione degli appassionati ancora a lungo.
Non è una semplice acquisizione, è un terremoto che sposta i pesi del mercato video. Fox Corp. ha annunciato di aver messo le mani su Roku, la piattaforma leader nei sistemi operativi per smart TV e nei dispositivi di streaming, con un’operazione da 22 miliardi di dollari. L’accordo prevede un pagamento misto, tra liquidità già disponibile e azioni ordinarie Fox di Classe A. Se tutto filerà liscio con le autorità di regolamentazione, l’obiettivo è chiudere entro il 2027.
Come cambiano gli equilibri azionari
Una volta perfezionata la fusione, la fetta più grossa della nuova realtà andrà agli azionisti Fox, con una quota prevista intorno al 73%. Agli azionisti Roku resterà il 27% circa. Numeri che raccontano un riassetto netto, ma anche la volontà di tenere dentro la squadra che ha costruito il successo della piattaforma. Anthony Wood, fondatore, presidente e CEO di Roku, è infatti destinato a entrare nel consiglio di amministrazione di Fox a operazione conclusa.
Da broadcaster a piattaforma aperta
Per un colosso storicamente ancorato alla televisione broadcast, questa mossa rappresenta uno strappo strategico. Lachlan K. Murdoch, CEO di Fox, l’ha definita senza mezzi termini un “momento decisivo”. L’intenzione dichiarata è gestire Roku come una “piattaforma aperta e amichevole per i partner”, preservandone l’approccio che l’ha resa pervasiva in oltre 100 milioni di nuclei domestici raggiunti via streaming.
Una nota ufficiale di Fox mette nero su bianco la visione dietro l’affare: “Insieme, Fox e Roku creeranno una società mediatica e tecnologica di nuova generazione su larga scala, posizionata all’incrocio tra le due forze più importanti che stanno rimodellando il consumo video: la duratura centralità degli sport in diretta e delle notizie, e la continua ascesa dello streaming.”
Il tesoro nascosto nei dati
Più che l’hardware, a Fox interessano i dati sull’audience di Roku, la tecnologia di piattaforma e le opportunità pubblicitarie che porta in dote. Avere il polso su cosa guardano milioni di famiglie, in tempo reale, significa poter monetizzare meglio ogni singolo contenuto. E non è un caso che Fox abbia già in casa Tubi, il servizio di streaming gratuito comprato per 440 milioni di dollari nel 2020 e cresciuto costantemente da allora. Con Tubi da un lato e Roku dall’altro, il Gruppo si troverebbe a controllare una fetta dominante dello streaming supportato dalla pubblicità, quello che negli Stati Uniti chiamano FAST (free ad-supported streaming TV).
Sul fronte direct-to-consumer, lo scorso anno Fox ha anche lanciato FOX One, servizio che aggrega l’accesso alle reti live senza bisogno di un abbonamento via cavo separato.
Un mercato in ebollizione
L’annuncio arriva in una fase di fibrillazione per l’intero comparto media. Poche settimane fa il Dipartimento di Giustizia statunitense ha dato via libera all’acquisizione di Warner Bros. da parte di Paramount: un’altra maxi-operazione che, se completata, ridisegnerà gli equilibri dell’intrattenimento globale. Insomma, il risiko dello streaming è appena entrato nella sua fase più calda.
Xbox Game Studios perde due figure di primo piano: il capo Craig Duncan e la Chief of Staff Louise O’Connor abbandonano i rispettivi ruoli dopo poco più di un anno e mezzo di permanenza. Una mossa che ridisegna la leadership interna del colosso first-party di Microsoft.
I protagonisti dell’addio
Craig Duncan lascia la guida di Xbox Game Studios dopo circa 18 mesi, mentre Louise O’Connor conclude la sua esperienza come Chief of Staff dopo 11 mesi. Entrambi provenivano da Rare, lo studio britannico celebre per titoli come Sea of Thieves e Banjo-Kazooie. Duncan ha diretto Rare come studio head dal febbraio 2011 al novembre 2024, prima di succedere ad Alan Hartman alla guida di Xbox Game Studios. O’Connor ha ricoperto ruoli chiave in Rare dal settembre 2012 all’agosto 2025 – tra cui executive producer, incubation director e art director – prima di diventare chief of staff.
Le parole di Craig Duncan
In una mail indirizzata ai dipendenti, Duncan ha spiegato le ragioni del suo addio:
“Quando ho assunto la guida di Xbox Game Studios 20 mesi fa, il mio obiettivo era servire i nostri studi, i nostri team e le persone che realizzano i nostri giochi. Insieme ci siamo impegnati a produrre titoli di alta qualità, rafforzare il tessuto culturale tra gli studi e contribuire a plasmare il futuro del business. Sono orgoglioso di dire che abbiamo portato a termine molti lanci impeccabili, che hanno generato risultati solidi per l’azienda.”
Riguardo a O’Connor, ha aggiunto:
“Louise è stata una partner attenta, creativa e affidabile, che ha sempre sostenuto l’artigianato e supportato i nostri studi con chiarezza e cura. Le sono grato per tutto ciò che ha portato a Xbox Game Studios, e sono certo che avrà successo in qualunque cosa decida di fare in futuro.”
Cosa cambia ora
Con l’uscita di Duncan, gli studi che erano sotto la sua supervisione faranno temporaneamente capo a Matt Booty, Chief Content Officer di Xbox, fino a quando non verrà individuato un successore. La transizione è già in atto, e il management di Xbox sta valutando le figure interne ed esterne più adatte a ricoprire un ruolo chiave per la strategia first-party di Microsoft.
La partenza di due dirigenti con un background così radicato in Rare segna la fine di un capitolo, ma apre anche interrogativi su come verranno gestiti i prossimi progetti tra cui l’uscita di Fable, Perfect Dark e altri titoli in sviluppo presso gli studi di Xbox Game Studios.
L’annuncio di Final Fantasy Resonance ha rappresentato un vero terremoto per i fan della serie: dopo anni di combattimenti in tempo reale, Square Enix riabbraccia il sistema a turni. Non solo, lo fa con lo splendido stile grafico HD-2D e riadattando la storia di Brave Exvius in un’esperienza completamente nuova. Durante la nostra anteprima esclusiva abbiamo potuto toccare con mano il sistema di combattimento, che ripensa il classico turn‑based introducendo un meccanismo di stagger, le Visions – simili ai Job di Final Fantasy V – e una personalizzazione del party molto profonda. Per comprendere meglio la genesi del titolo, abbiamo parlato con il producer Keisuke Nakashima e il director Hiroto Furuya.
Un ritorno che è anche una rinascita
Negli ultimi anni, i giochi di ruolo a turni hanno vissuto una nuova primavera. Non che fossero mai scomparsi: basta pensare al successo costante delle produzioni Atlus (Persona, Metaphor, Shin Megami Tensei) e di quelle Square Enix (gli Octopath Traveler, i remake di Dragon Quest). Senza dimenticare Baldur’s Gate 3, e un’intera scena indipendente che ha tenuto viva la fiamma con titoli come Sea of Stars, Chained Echoes, Dosa Divas e l’eterna saga di Deltarune. Tuttavia, l’attenzione mainstream è oggi più alta che mai, come dimostrato dal successo di critica e premi di Clair Obscur: Expedition 33.
“Credo che ci sia ancora spazio per crescere, evolversi e progredire, anche per i giochi a turni in pixel art in questo momento storico,” ha spiegato Nakashima. “Certo, l’esperienza è radicata nei classici, gioca su cose familiari. Ma integrando le nuove tecnologie, sono convinto che questi titoli abbiano un futuro: anche giocati oggi, non appaiono necessariamente datati. Forse è proprio da lì che nasce tutto.”
Furuya ha aggiunto un altro tassello, sottolineando l’importanza del gaming portatile: “La diffusione delle console portatili permette di fruire di questi giochi con maggiore accessibilità, nei ritagli di tempo.” Ma ha anche toccato un fenomeno più profondo.
“Penso che molti creatori cresciuti con i giochi a turni stiano ora creando giochi a loro volta. C’è un movimento generale verso la riscoperta e la rielaborazione delle esperienze che abbiamo vissuto da ragazzi,” ha dichiarato Furuya, citando proprio Clair Obscur: “Quando parliamo di quel titolo, credo che i suoi autori siano cresciuti giocando a JRPG.”
Per Furuya, non si tratta di un fenomeno limitato ai videogiochi: “Lo vediamo anche nell’anime, nel manga, in altri media: i creatori stanno rivisitando progetti passati, rimontandoli, reimmaginandoli. Questo contribuisce alla rinascita che stiamo vivendo.”
Il punto di vista di chi produce i giochi
Sulla stessa lunghezza d’onda, il director di P-Studio Kazuhisa Wada aveva dichiarato a una testata specializzata: “Quella che chiamiamo ‘rinascita’ potrebbe essere semplicemente la riscoperta di cose che erano cadute fuori dal nostro sguardo.” Una riflessione che dimostra come anche chi realizza questi titoli sia consapevole del momento d’oro del genere.
Data di uscita e piattaforme
Final Fantasy Resonance arriverà il 22 ottobre su PlayStation, Xbox, PC e Nintendo Switch (sia il modello originale che Switch 2). Un’occasione imperdibile per chi ama il turn‑based, ma anche per chi vuole vedere come Square Enix declina un’eredità gloriosa in chiave moderna.
A pochi giorni dall’ennesimo weekend positivo al botteghino, il regista – Curry Barker – ha messo nero su bianco ciò che molti spettatori pensano da tempo: la Generazione Z è pronta a riempire le sale, ma solo se il cinema merita il prezzo del biglietto. Merito di Obsession e di Backrooms, due horror low budget che stanno macinando incassi e consensi, trascinati proprio dal pubblico più giovane. Barker, 26 anni, si è ritrovato al centro di un piccolo terremoto culturale e non ha usato giri di parole.
Intervenuto al podcast Happy, Sad, Confused, il regista ha rivendicato il peso della sua generazione in questa inversione di tendenza. «La lezione è che la Gen Z si farà viva per un film originale», ha spiegato Barker. «Forse è tutto qui: noi ci saremo. Non credo che il nodo sia la proprietà intellettuale. Anzi, non è nemmeno una questione di originalità a tutti i costi. Siamo affamati di buone storie e – parlo per me – siamo un po’ stanchi di film che sembrano frettolosi o iper-prodotti».
Stanchi della “robaccia”: cosa vogliono i giovani spettatori
Barker appartiene anagraficamente e culturalmente alla Gen Z. Obsession, uscito nelle sale a maggio, si è imposto proprio come horror atipico, costruito su un’idea solida e risorse contenute. Un risultato che ora il regista vuole difendere su due fronti: continuare a scrivere storie originali e misurarsi con il cinema dei franchise. Il prossimo progetto si chiama Anything But Ghosts, un altro soggetto inedito che vedrà Barker stesso nel cast insieme a Cooper Tomlinson, Bryce Dallas Howard e Aaron Paul. Più avanti, invece, arriverà il suo Texas Chainsaw Massacre prodotto da A24, un’incursione in un’icona dell’horror che molti osservatori terranno d’occhio.
Durante un’intervista con The Hollywood Reporter, Barker ha scelto parole taglienti per spiegare cosa vorrebbe che i grandi studio capissero del pubblico under 30: «Siamo stanchi della robaccia. Vogliamo che tornino i bei film. La gente ha ancora fame di pellicole originali, senza un grande franchise alle spalle, purché la storia sia buona».
Prossimi progetti: tra storie originali e l’incursione in un franchise
Mentre gli spettatori più affezionati aspettano notizie su un possibile sequel di Obsession – per ora Barker ha solo «un’idea interessante» e nessuna fretta di svilupparla – il regista lavora per trasformare l’entusiasmo di queste settimane in una traiettoria solida. Il segnale che arriva dalle sale è chiaro: il pubblico giovane non ha perso interesse per il cinema. Lo cerca solo dove spesso non lo trova, cioè in film sinceri, girati con cura e liberi dagli automatismi del blockbuster iper-confezionato.
Il terremoto che sta attraversando la divisione gaming di Microsoft non risparmia nemmeno i nomi più prestigiosi del suo parco studi. Dopo le prime avvisaglie su Compulsion Games, ora anche Ninja Theory e Double Fine sono finite al centro delle trattative per un possibile distacco dalla casa madre, nel tentativo di scampare a una chiusura che appare sempre più concreta.
Reset ai vertici e tensioni interne
La scorsa settimana la nuova responsabile di Xbox, Asha Sharma, ha scosso l’intera organizzazione con una nota interna in cui parlava senza mezzi termini di un «reset» aziendale. Parole che la maggior parte degli analisti ha letto come il preannuncio di licenziamenti pesanti e di una razionalizzazione dolorosa del portfolio studi. A complicare il quadro sono arrivate prima le voci sulle dimissioni di Craig Duncan, fino a oggi a capo di Xbox Game Studios, poi le rivelazioni sulla situazione di emergenza in cui versa Compulsion Games, autrice del prossimo South of Midnight.
Nel giro di poche ore l’attenzione si è allargata agli altri studi controllati. Bloomberg, la quasi totalità delle software house interne a Microsoft starebbe vivendo giorni di forte apprensione, con Ninja Theory e Double Fine in prima linea nei colloqui per definire una via d’uscita.
Trattative per la scissione (e tagli inevitabili)
L’ipotesi sul tavolo è quella del passaggio all’indipendenza. Compulsion, Ninja Theory e Double Fine starebbero negoziando con Microsoft le condizioni per uscire dall’orbita del colosso di Redmond. Una mossa che, se andasse in porto, non basterebbe comunque a mettere al riparo i team da impatti pesantissimi: anche in caso di separazione consensuale, i licenziamenti resterebbero considerevoli.
Per studi come Ninja Theory – firma britannica che ha costruito la propria reputazione sulla raffinatezza tecnica della serie Hellblade – e Double Fine – il cui Psychonauts è diventato un punto di riferimento per la creatività nel medium – il nodo è sempre lo stesso. «Brillanti per il prestigio, pessimi per il foglio di calcolo», ha sintetizzato un analista sentito da IGN, descrivendo la tensione tra riconoscimenti della critica e risultati commerciali.
Il sequel di Hellblade, Senua, è stato presentato ufficialmente appena una settimana fa durante l’Xbox Games Showcase. Ora il futuro del progetto è avvolto dall’incertezza. Double Fine, da parte sua, ha pubblicato quest’anno Kiln, un party brawler a tema ceramica che non ha lasciato traccia, mentre lo scorso anno era toccato all’avventura Keeper.
Corsia preferenziale per i franchise guida
Mentre gli studi considerati più vulnerabili cercano una via di sopravvivenza, Microsoft punta ad accelerare sui franchise capaci di sostenere il business. Le priorità indicate dalla casa madre riguardano lo sviluppo dei nuovi capitoli di The Elder Scrolls, Fallout e Halo, nel quadro di una riorganizzazione che non esclude un possibile spin-off dell’intero ramo gaming.
Quel che è certo è che la fase di consolidamento seguita alle acquisizioni miliardarie degli ultimi anni sta entrando nella sua stagione più critica. L’obiettivo dichiarato dai vertici è trasformare un catalogo straordinario per ambizione creativa in un’architettura economicamente sostenibile. Ma il prezzo rischia di essere pagato proprio da chi, fino a ieri, incarnava il volto più autoriale e sperimentale dell’ecosistema Xbox.
Siamo tornati negli uffici di Milestone a Milano per provare in anteprima assoluta la sua nuova e ambiziosa creatura automobilistica, che questa volta tratta le famosissima macchinine giocattolo. Si tratta infatti di HOT WHEELS Infinite Rush, un capitolo che sembra destinato a cambiare le regole storiche della serie abbandonando le tradizionali piste in plastica arancione.
Questo titolo introduce per la prima volta una struttura di gioco a mondo aperto proiettando i famosi modellini collezionabili in una dimensione del tutto inedita. HOT WHEELS Infinite Rush sarà disponibile su PC e console dal prossimo 24 settembre 2026, garantendo un supporto cross-play completo fin dal giorno di lancio.
La nostra prova si è svolta all’interno della prima grande isola di gioco e ci ha permesso di testare una discreta quantità di attività. L’esperienza si sviluppa ovviamente in un universo plasticoso ed interamente in scala rispetto alla dimensione delle macchinine, dove l’esplorazione libera assume un ruolo centrale tra i vari livelli della campagna principale.
La mappa complessiva si compone di quattro grandi isole tematiche, ognuna caratterizzata da una personalità visiva unica e da un animale simbolo a presidiare il territorio. Nella nostra prova abbiamo potuto guidare tra i grattacieli e i parchi lussureggianti di Wheelswood, una metropoli che ricorda molto da vicino la Manhattan reale, dominata da un gigantesco scimmione sopra un palazzo.
Gli altri territori includono la zona urbana di Tentacles Bay, la tecnologica Gearville associata allo scorpione e infine i tornanti di Drift Temple, protetti da un possente drago.
Un free roaming ricco di attività
La transizione dell’esperienza verso una formula free roaming non ha fortunatamente diluito l’intensità del gameplay tipica delle produzioni della software house milanese. Le pause tra le gare della storia principale si trasformano in occasioni perfette per viaggiare in lungo e in largo alla ricerca di segreti e ricompense.
Le attività disseminate lungo le strade sono immediate e molto varie, e sono state progettate per integrarsi in modo naturale con la guida libera senza costringere a fastidiose interruzioni. I giocatori possono cimentarsi in gare di velocità, prove a tempo, sfide di derapata e serratissime competizioni a eliminazione. Non mancano poi compiti più stravaganti legati alla distruzione degli elementi dello scenario o all’esecuzione di acrobazie aeree folli sfruttando le rampe posizionate sui tetti dei grattacieli.
Durante la nostra sessione di prova ci siamo inoltre imbattuti in una particolare attività di delivery, o consegna, che ha subito catturato la nostra attenzione per la sua originalità. Questa sfida infatti non richiede soltanto di raggiungere la destinazione finale entro un limite di tempo prestabilito ma impone di non subire o arrecare alcun danno al veicolo.
Questo obiettivo trasforma così l’anima arcade del gioco in una prova di precisione, costringendo il giocatore a calibrare le traiettorie e a evitare il traffico cittadino. I tempi delle varie attività secondarie sono inoltre stati tarati per garantire sessioni mordi e fuggi veloci e gratificanti.
Le gare classiche rappresentano infatti l’offerta più corposa mentre i minigiochi sparsi per la mappa offrono eccellenti stimoli per sbloccare nuovi contenuti estetici. È infatti completando queste sfide che si potranno ottenere nuovi veicoli o pezzi per poter personalizzare la propria auto preferita.
Quattro classi di veicoli
Il parco auto iniziale di HOT WHEELS Infinite Rush si preannuncia davvero gigantesco, mettendo a disposizione degli appassionati oltre 150 vetture fin dal giorno del lancio ufficiale. I veicoli includono i celebri design originali della linea Mattel insieme a icone leggendarie dei motori reali come alcune storiche e fiammanti Ferrari.
Il team su questo aspetto ci ha confermato che tutti i veicoli saranno sbloccabili semplicemente giocando e progredendo nell’avventura e nei suoi contenuti. La vera svolta strategica però risiede nella suddivisione dei mezzi in quattro classi distinte, dotate di caratteristiche fisiche radicalmente opposte.
Troviamo i bilanciati modelli Versatile, i giganteschi e inarrestabili Titan, gli agili Drifter, nati per muoversi di traverso, e i fulminei Speeder, incontrastati dominatori dei rettilinei. Ciascuna categoria risponde in modo differente alle all’asfalto e ai comandi al volante, richiedendo un approccio alla guida dedicato.
La caratteristica più interessante che è stata introdotta sotto questo punto di vista è che, mentre alcune sfide richiedono di utilizzare una specifica categoria di veicolo, durante il free roaming è possibile cambiare la tipologia di automobile in tempo reale con la semplice pressione di un tasto.
Questa meccanica permette di creare la propria squadra ideale denominata Rush Squad, selezionando un mezzo per ogni classe da alternare istantaneamente in base alla necessità. La progressione della storia metterà i giocatori di fronte ai temibili Rush Master, i potenti boss che governano le rispettive isole della mappa.
Ogni territorio ospita quattro differenti boss legati alle quattro classi di veicoli, costringendo il giocatore a disputare intense gare di categoria ad altissima velocità. Sconfiggere questi avversari rappresenta l’unico modo per ottenere quelle vetture esclusive e progredire nella campagna.
Editor e strumenti pensati per la community
Milestone ha investito molte risorse nel potenziamento degli strumenti creativi in HOT WHEELS Infinite Rush, offrendo alla community un livello di personalizzazione profondo e accessibile tramite un rinnovato sistema di abilità.
Oltre alla classica modifica estetica di livree, adesivi e cerchioni, la vera rivoluzione è rappresentata dalla nuova versione del celebre strumento di costruzione delle piste. Il Track Builder aggiornato introduce una tecnologia di aggancio al terreno che permette di sfruttare l’intera architettura circostante senza alcun vincolo di altezza o forma.
Gli utenti possono ancorare i moduli arancioni alle pareti dei palazzi farli passare dentro i tunnel cittadini o farli fluttuare sopra i grattacieli più imponenti. La flessibilità dell’editor consente di plasmare circuiti incredibili che possono essere arricchiti inserendo speciali indicatori di azione per guidare i movimenti dell’intelligenza artificiale.
Questa opzione permette di popolare le proprie creazioni con avversari virtuali che risponderanno alle peculiarità della pista, e ovviamente i tracciati potranno essere condivisi online con il resto del mondo su tutte le piattaforme. La componente multigiocatore supporta sfide competitive sia in rete che in locale grazie a una solida modalità a schermo condiviso per quattro partecipanti.
La nostra prova di HOT WHEELS Infinite Rush a Milano ci ha restituito un racing game solido, divertente e fresco, capace di svecchiare un marchio storico con la dovuta intelligenza. Le ottime potenzialità espresse dall’open world e la varietà dei veicoli promettono di fare la felicità di tutti gli amanti delle corse arcade, e non vediamo l’ora di avere tra le mani la versione definitiva.
Nella sostanza, Mina the Hollower è l’incarnazione di quello che è probabilmente il più famoso dei proverbi italiani. Nato dalla saggezza contadina ed affinato dall’esperienza enologica, affermare che “nella botte piccola c’è il vino buono” faceva riferimento alle migliori tecniche di invecchiamento dei viticoltori. Tutt’oggi, per le etichette più pregiate si opta per botti piccole, capaci di garantire aromi più intensi ed una migliore ossigenazione. Quantità ridotte e qualità elevata, per un insegnamento che si è traslato nel mondo degli adagi per avvisare, simbolicamente, di non giudicare mai dalle apparenze in quanto il valore può ben nascondersi anche dalle esteriorità più modeste.
In questo senso, Mina the Hollower riesce ad essere uno dei migliori esempi di come la saggezza popolare sia applicabile anche al mondo del gaming. A prima vista, un omaggio 8 bit all’era del Game Boy Color, con un price tag talmente contenuto da risultare nettamente inferiore ad alcuni DLC di produzioni blasonate. Ma sotto un’apparenza da titolo senza grandi aspirazioni o pretese si nasconde uno dei titoli migliori del 2026.
Il titolo è disponibile dal 29 Maggio per PC (via Steam), Xbox Series, PlayStation 5, Nintendo Switch e Nintendo Switch 2.
Versione testata: Nintendo Switch 2
Notte… Tenebrosa
Dopo aver ricevuto una richiesta di soccorso da parte del Barone Lionel, l’intraprendente ingegnere Mina si mette in viaggio verso l’Isola Tenebrosa. Sono passati oramai dieci anni da quanto aveva salvato l’isola creando i “Generatori di Scintille”, torri radianti in grado di assicurare pace e prosperità. Quando i generatori iniziano a smettere di funzionare portando i morti a risorgere dalle tombe, accorre in aiuto dei vecchi amici ma la sua nave viene inaspettatamente distrutta da un mostro marino. Mina si ritrova naufraga sull’isola, costretta a combattere creature oscure per scoprire la causa della corruzione.
Dopo aver realizzato l’iconico Shovel Knight, Yacht Club Games si cimenta con un titolo decisamente più ambizioso in toni e dimensioni. Attingendo tanto al senso di avventura di The Legend of Zelda (spoiler: e neanche così tanto ai capitoli classici bensì ai più recenti… capirete dopo) quanto al fascino decadente di Castlevania ed ai pericoli disumani di Bloodborne, Mina the Hollower cala il giocatore in un mondo oscuro, gotico, steampunk. Lo fa con gusto e misura con un mezzo tecnico apparentemente di decadi fa, ma con tutte le consapevolezze al contempo della classicità e della contemporaneità.
Il tono è chiaro già dalle prime battute: poco Zelda, molto Castlevania e Bloodborne.
La pixel art da vita ad un’ambientazione decadente che cita apertamente Hidetaka Miyazaki, sublimata da un colonna sonora di pura eccellenza camaleontica (ora jazz ora folk, ma anche con richiami da classica atmosfera fantasy) firmata dal veterano Jake Kaufman con la collaborazione di Yuzo Koshiro. Il tutto con un’esperienza tecnicamente impeccabile su Nintendo Switch 2 che può raggiungere i 120 FPS costanti sia in modalità docked che in modalità portatile.
In un quadro di assoluto fascino, è un piccolo peccato che la storia non si particolarmente ricca di pathos e profondità, limitandosi a raccontare un intreccio piacevole ma senza guizzi emotivi. Parte del problema risiede anche nella direzione artistica che, sebbene di livello superiore alla media, risulta comunque meno di impatto rispetto a quello Shovel Knight che ancora è nelle memorie videoludiche collettive.
La nave di Mina non ha speranze contro l’attacco marino del prologo.
I’m going deeper underground
Fin dai primi minuti, Mina the Hollower si rivela un’esperienza spietata. Per due ordini di ragioni principali.
Anzitutto, l’ispirazione a From Software non si dimostra essere solo artistica ma anche ludica. Inizialmente, Mina è fragile ed ogni avversario porta con sé un rischio di game over. I nemici sono coriacei e fanno parecchio male, i potenziamenti sono attribuiti spendendo consumabili, riposare ad un checkpoint comporta automaticamente il ritorno di tutti gli avversari in precedenza sconfitti. Insomma, le basi del genere soulslike. Ma la difficoltà è ancor più alta per colpa intrinsecamente nostra: Mina the Hollower infatti chiede al giocatore di ricalibrare le sue più radicate abitudini mentali. Smettere pertanto di pensare ai movimenti classici di un Dark Souls per aprirsi alla vera chiave di volta del titolo Yacht Club Games: il sottosuolo.
Ogni arma ha pregi e difetti, come giusto che sia.
Mina è infatti una Hollower, un membro di un’antica e rispettata gilda di studiosi, ingegneri ed esploratori specializzati nello scavo e nell’analisi del sottosuolo. Questo si traduce in una meccanica fondamentale: buttarsi nel terreno, muoversi sotto terra e rispuntare fuori con un balzo. Un copernicano cambio di prospettiva, che costringe il giocatore a non ragionare più in termine di tradizionali schivate o salti, bensì di evitare gli attacchi avversari scavando o di superare baratri dandosi lo slancio dal sottosuolo. E’ una variante che, soprattutto all’inizio, appare difficile da assimilare complici anni ed anni di diktat videoludici. Ma che, una volta entrati in circolo, rende il gameplay ancor più fluido e gratificante di quello che è.
Il sistema di combattimento è infatti assai sfaccettato ed incline ad una elevata personalizzazione. Mina può scegliere tra diverse armi, ciascuna profondamente diversa per stile di gameplay, ma soprattutto mescolarle ad oltre sessanta gadget. Mina può equipaggiarne fino a cinque contemporaneamente, con effetti in grado di influire non solo sul flow della protagonista ma altre attribuendo vere e proprie feature aggiuntive al gameplay. Alcuni accessori permettono di accedere più facilmente a talune aree, altri permettono di trasportare più ampolle per ripristinare la salute, passando per oggetti difensivi di ogni sorta e perk di statistiche assortite. E la cosa bella è che nulla cade dal cielo: dovrete essere voi a trovare le ricompense più ambite. Perché Mina the Hollower è pieno di contenuti. Davvero tanto.
Farsi le ossa… con le ossa. Ironico.
La fortuna aiuta gli audaci
Se fino ad adesso il titolo potrebbe sembrare in buona sostanza uno stuzzicante soulslike ad 8 bit, esplode in un vero e proprio capolavoro quando si guarda al game design nella sua interezza. E nel modo in cui è declinato il level design.
Mina the Hollower propone infatti un’ambientazione aperta e non-lineare, totalmente interconnessa con una quantità elevatissima di punti di interesse, dungeon, scorciatoie e segreti. Ma non è tanto il mondo aperto ad essere, in sé e per sé, un fattore di merito. Quanto piuttosto al come è stato interpretato. L’Isola Tenebrosa è infatti totalmente imprevedibile, mettendo davanti al giocatore un coacervo di situazioni talmente sorprendente da essere soverchiante. Missioni secondarie, enigmi, omaggi al cinema horror, simpatici easter egg da videogiochi famosi: c’è davvero di tutto e dietro ogni angolo può esserci una sorpresa.
Non bastassera l’assoluta varietà del titolo, è tuttavia l’enorme libertà concessa al giocatore a fare ulteriormente la differenza. Avevamo citato che Mina the Hollower prende spunto dai capitoli più recenti di The Legend of Zelda. Ebbene, il motivo è dato dal fatto che gli sviluppatori hanno previsto una elevatissima modularità nell’affrontare gli scenari e gli enigmi, ricorrendo non solo alle abilità intrinseche del giocatore ma anche alle skill di Mina. Superare un baratro, ad esempio, non sarà mai legato ad avere uno specifico strumento, potendo essere bypassato in tantissimi altri modi diversi. La creatività viene messa al centro dell’esperienza, spingendo il giocatore a non subire passivamente le decisioni di level design. Bensì a trovare una propria strada per interagire con lo scenario, sfruttando le possibilità concesse del game design.
Se c’è proprio una parola che ricorre spesso giocando a Mina the Hollower è “sorpresa”. Quella che deriva da un combattimento portato a termine dopo aver metabolizzato il gagliardo sistema di combattimento. Quella che salta fuori scoprendo casualmente un passaggio segreto che conduce ad una missione secondaria con un premio allucinante. Quella che spiazza il giocatore trovandosi improvvisamente su un treno fantasma o distruggendo un veicolo strizzando l’occhio a Street Fighter 2. Quella che lascia basiti pensando che tutto questa qualità viene offerta ad un prezzo imbarazzantemente basso (€ 20,49). Magari non amate i titoli ad 8 bit, può essere comprensibile. Ma fidatevi di noi: Mina the Hollower è qui per conquistare anche i vostri cuori.
Commento finale
Mina the Hollower è un altro clamoroso successo da parte di Yacht Club Games. Dopo aver realizzato l’iconico Shovel Knight, il team indipendente californiano ha preso le migliori caratteristiche dei metroidvania e dei soulslike fondendole con una sublime estetica retrò. Il risultato è un videogioco che parla ai videogiocatori, facendolo nella sua forma più pura: quella della meraviglia, dell’imprevedibilità e della sfida. Ma soprattutto della gratificazione per riuscire a domare un titolo così sorprendente da sfuggire a rigide classificazioni di genere. Se siete tra coloro che giudicano un libro dalla copertina, beh… affrontare uno dei migliori giochi del 2026 è il modo semplicemente perfetto per ricredersi.
Final Fantasy VII Revelation introdurrà un endgame strutturato, molto più ampio rispetto a quanto visto in Remake e Rebirth. A confermarlo è stato direttamente Naoki Hamaguchi, il creative director del progetto, che ha anticipato come il nuovo capitolo della trilogia offrirà contenuti post‑storia pensati per mettere alla prova anche i giocatori più esperti.
Secondo quanto riportato, Final Fantasy VIIRevelation includerà boss opzionali di altissimo livello, evocando direttamente le leggendarie sfide dell’originale del 1997 come Ruby Weapon ed Emerald Weapon. L’obiettivo del team è proporre un endgame “vero”, con attività dedicate, sfide progressive e ricompense uniche, andando oltre la struttura più lineare dei due capitoli precedenti.
Hamaguchi ha inoltre sottolineato che il team vuole dare ai giocatori un motivo concreto per continuare a potenziare il party anche dopo i titoli di coda, suggerendo la presenza di nuove arene, superboss e contenuti ad alta difficoltà.
Revelation rappresenterà quindi il capitolo più ambizioso della trilogia, non solo per la conclusione narrativa, ma anche per la profondità del gameplay endgame, che punta a riportare in auge lo spirito hardcore dei JRPG anni ’90.
Il codice della pagina prodotto non mente, ma a volte sparisce in fretta. Nelle ultime ore Nintendo ha rimosso una descrizione che alcuni fan attentissimi avevano scovato all’interno del sorgente ufficiale di The Legend of Zelda: Ocarina of Time per Switch 2. Il breve testo parlava di un rifacimento molto rispettoso dell’originale per Nintendo 64 e ha scatenato un dibattito immediato, finché l’azienda non ha aggiornato il codice cancellando ogni traccia.
La nuova versione di Ocarina of Time è stata annunciata durante il Nintendo Direct della scorsa settimana, dopo un leak che aveva già alimentato infinite speculazioni. Ma Nintendo ha scelto di mantenere il progetto volutamente enigmatico: il teaser trailer mostrato in quell’occasione durava appena pochi secondi e lasciava a bocca asciutta chiunque sperasse in dettagli concreti.
Un teaser tra arazzi e triforza
Nel filmato i fan hanno potuto scorgere soltanto un arazzo e, subito dopo, un’unica inquadratura di un giovane Link addormentato con il marchio della Triforza che compariva sulla mano. Bastava a confermare la direzione artistica, ma niente di più.
Da allora la grande domanda è sempre la stessa: questa versione sarà una reimmaginazione radicale, sul modello di quanto fatto da Capcom con Resident Evil o da Square Enix con Final Fantasy VII, oppure un remake fedele quasi inquadratura per inquadratura? La descrizione scomparsa dal codice faceva propendere per la seconda strada.
«Il classico N64 rinasce come un remake completo per Nintendo Switch 2», recitava il testo originale. «Vivi Ocarina of Time con immagini mozzafiato, design aggiornati e un gameplay senza tempo».
I fan hanno ipotizzato che il riferimento a un gameplay senza tempo si riferisca a un’esperienza generale – il percorso attraverso Hyrule e i suoi dungeon, i suoi enigmi e segreti – che risulterà familiare a chi ha giocato al gioco originale, piuttosto che a qualcosa che riprende l’originale e lo amplia.
Naturalmente, Ocarina of Time seguirà le orme di un altro remake da zero di un gioco per N64 in arrivo su Switch 2 quest’anno: Star Fox. Per quel progetto, Nintendo ha mantenuto un gameplay simile ma ha aggiunto alcune sequenze narrative notevolmente ampliate. Resta da vedere se Nintendo farà lo stesso con Ocarina of Time.
I fan hanno anche notato come il trailer di Ocarina of Time inizi con una voce fuori campo, ipotizzando che i dialoghi doppiati avranno un ruolo più importante in questo remake. Ma questo resta da vedere.
Nintendo ha successivamente modificato la descrizione in una frase più generica, che non offre ulteriori indizi: “Il classico del Nintendo 64 torna per una nuova generazione nel 2026, rinato in esclusiva per Nintendo Switch 2!”
Maggiori dettagli sul gioco saranno rivelati nel corso dell’anno, mentre Zelda: Ocarina of Time rimane per ora fermamente annunciato con una vaga data di uscita nel “2026”. La scorsa settimana, alcuni ex dipendenti Nintendo hanno suggerito che l’azienda avrebbe dovuto rivedere i suoi piani di presentazione del gioco, dato che la fuga di notizie aveva reso l’annuncio finale quasi scontato.
The Backstageè un’espansione (o meglio, capitolo aggiuntivo) che resta ben ancorata all’immaginario di Little Nightmares III, ma prova anche a correggerne il tiro con una struttura più compatta e un’idea di gioco più mirata, concentrandosi su una nuova porzione del Carnevale (il Retroscena) e su un personaggio inedito – rispetto alla campagna principale – che accompagna Low. In questo senso il DLC – parte del Pass di espansione dei Segreti della Spirale –funziona come capitolo laterale più che come semplice appendice: prende l’atmosfera disturbante del gioco base e la traduce in un percorso più breve, più concentrato e più leggibile, mantenendo però intatto il senso di inquietudine che definisce la serie.
Little Nightmares III è attualmente disponibile per PS5, PS4, Xbox Series X|S, Xbox One, PC, Switch e Nintendo Switch 2.
Versione testata: PlayStation 5Pro
Un nuovo duo
La trama non punta a riscrivere il mondo di Little Nightmares III, ma a espanderne una porzione ben precisa, quella più nascosta e sinistra (dietro le quinte per intenderci) del Carnevale (terzo capitolo del gioco base). Qui Low – dopo esserci separato da Alone – incontra Dime, una nuova bambina con un cappello-torcia, e insieme devono trovare il modo di salvare Alone dalle grinfie della Burattinaia, in una vicenda che resta volutamente ellittica e coerente con il linguaggio simbolico della saga. Gran parte della narrazione serve proprio a definire il ruolo di Dime nella storia e a ricollegare i giocatori agli eventi del gioco base. Il risultato è un racconto – volutamente incompleto – che lavora più per immagini, tensione e frammenti che per spiegazioni esplicite, preparando – ben bene – il terreno per ciò che verrà dopo. Come nel gioco base, l’orrore non nasce dal “cosa” ma dal “come” viene messo in scena: luoghi deformati, presenze minacciose e una costante sensazione di vulnerabilità che sostiene l’intera esperienza.
Ciò che ci ha colpito immediatamente è stata la notevole differenza tra questa versione del Carnevale e quella del gioco principale. L’interpretazione del gioco originale bilanciava l’atmosfera inquietante con momenti di estro visivo e meraviglia. Persino nei momenti più cupi, c’erano lampi di colore e spettacolarità che rafforzavano il tema macabro del carnevale. Il Backstage, al contrario, trascorre la maggior parte del tempo avvolto da grigi, ombre e ambienti angusti. È decisamente meno vibrante, ma sorprendentemente, questo gioca a suo favore. Invece di cercare di superare il capitolo originale, si concentra sulla sensazione di trovarsi in un luogo che non si sarebbe mai dovuto vedere. L’ambientazione risulta più opprimente e intima, ricordando costantemente che ci si sta muovendo all’interno del territorio dominato dalla Burattinaia …
Seguite la luce …
Nel DLC la dinamica tra cooperazione e solitudine sembra diventare più asimmetrica e più narrativa rispetto al gioco base: il rapporto tra Low, Dime e il resto della vicenda non è impostato come una co-op piena, ma come una collaborazione funzionale dentro un percorso più contenuto e guidato. In pratica, The Backstage usa meno la complementarità di due protagonisti e più l’idea di un compagno che serve a far avanzare il giocatore attraverso enigmi e situazioni specifiche.
Rispetto a Little Nightmares III, dove l’impianto principale ruota intorno alla cooperazione tra i due personaggi del gioco base (e alle loro specifiche abilità), il DLC sposta il baricentro su una sola nuova abilità chiave, quella della luce/cappello-torcia di Dime. Questo modifica il ritmo delle interazioni, perché la luce diventa sia guida sia meccanica, aprendo percorsi, leggendo lo spazio e risolvendo sfide ambientali con un approccio più direttoe sia strumento di difesa contro i Figli dell’Ombra che tentano di fermare Low e Dime. Il ciclo di gioco risulta più attivo e coinvolgente. Invece di limitarsi a reagire al pericolo, si hanno a disposizione strumenti aggiuntivi che permettono di interagire con esso, creando incontri che richiedono un po’ più di strategia rispetto al semplice nascondersi e aspettare il momento giusto.
La sensazione è che il gioco di squadra resti si presente sul piano tematico, ma venga tradotto in una struttura più solitaria e meno simmetrica, con meno scambio tra due set di strumenti e più attenzione alla progressione di un singolo percorso, su una progressione più compatta e su enigmi che valorizzano il nuovo strumento di Dime, il cappello-torcia, al posto della coppia di abilità del gioco base.
Di conseguenza, la parte cooperativa appare più come supporto all’atmosfera e alla risoluzione degli enigmi che come vero motore sistemico dell’espansione. La componente solitaria, invece, sembra guadagnare un pesomaggiore perché il DLC concentra l’esperienza su sequenze più lineari, su spazi più stretti e su un uso molto preciso del level design, riducendo la dispersione che può emergere quando una struttura co-op ha bisogno di lasciare più margine a due utenti o a due ruoli distinti.
In sintesi, nel DLC la cooperazione non sparisce, ma viene ridimensionata e resa più funzionale, mentre la dimensione solitaria diventa più dominante e più controllata. Il risultato è un’espansione che sembra voler raccontare meno “due bambini che sopravvivono insieme” e più “un bambino che avanza con l’aiuto di un altro”, mantenendo però intatta la tensione tipica della serie.
Enigmi … che passione!
In genere gli enigmi combinano osservazione dell’ambiente, collaborazione tra i due personaggi e uso di oggetti o meccanismi (come pulsanti, fusibili, leve, grate, appigli di varia natura) per aprire nuovi passaggi. Oltre alle nuove meccaniche stealth, siamo rimasti piacevolmente sorpresi anche dalla qualità degli enigmi stessi. Invece di basarsi ripetutamente su un’unica idea, The Backstage aumenta gradualmente la varietà e la complessità. Le prime sfide chiedono semplicemente di avere il giusto tempismo nella pressione di un pulsante tramite un oggetto da lanciare o di coordinare i movimenti tra i personaggi (ad esempio quando Dime deve aiutare Low a saltare su una sporgenza), ma gli enigmi successivi diventano molto più basati sull’osservazione e sulla deduzione.
Uno degli esempi migliori riguarda la necessità di mettere insieme alcuni indizi ambientali per determinare quali piattaforme in una griglia (che altro non è che il gioco del tris) dovessero essere attivate. È il tipo di enigma che chiede di leggere l’ambiente che vi circonda. Quando finalmente abbiamo trovato la soluzione, è perché siamo riusciti a collegare e a comprendere gli indizi. La lampadina di Dime gioca – anche in questo caso – un ruolo fondamentale, poiché può essere utilizzata per evidenziare gli indizi (che diventeranno di un bel colore verde intenso). Questa meccanica – quindi – influenza in modo significativo sia l’esplorazione che la risoluzione degli enigmi. A quanto detto si aggiunge che il ciclo platform/risoluzione degli enigmi di Backstage rappresenta un notevole passo avanti rispetto a quanto offerto dal gioco base. Little Nightmares 3 manteneva già il mix caratteristico della serie di esplorazione, enigmi ambientali e furtività, ma la lampadina di Dime introduce funzionalità sufficienti a rendere questa breve avventura (può essere completata in circa un’ora e mezza) davvero interessante. Anzi, dopo aver provato le sue meccaniche, non abbiamo potuto fare a meno di chiederci perché non fossero state incluse direttamente nel gioco base.
La burattinaia è pronta a tutto
Nel DLC le nuove sfide ruotano prettamente attorno alla Burattinaia, il nuovo nemico letale che minaccia il duo, e a una serie di puzzle – come detto poc’anzi – costruiti sulla luce e sull’esplorazione della zona più oscura del Carnevale. Sul fronte dei nemici, quindi, non siamo davanti a un semplice riuso di creature già note: il DLC aggiunge una figura cardine chiaramente pensata per dare identità alla nuova porzione di avventura. La Burattinaia viene presentata come la principale minaccia del contenuto, mentre il resto dei pericoli sembra derivare più dal contesto del Carnevale dietro le quinte che da un bestiario completamente nuovo e separato.
Le sfide, invece, paiono costruite per mettere pressione soprattutto sulla lettura dello spazio e sull’uso della luce: trovare il percorso, gestire i punti ciechi e superare sezioni stealth o piccolissimi inseguimenti (ci sarebbe piaciuto un bel inseguimento da parte della Burattinaia – che sembrava davvero poterci concretizzare – ma che in realtà non c’è mai stato) in ambienti opprimenti. In altre parole, il DLC non sembra puntare su un aumento brutale della difficoltà, ma su una diversa configurazione delle tensioni, dove il nuovo alleato e il nuovo nemico ridefiniscono il ritmo delle sequenze.
La possibilità di disintegrare i Figli della Luce con la lampadina (prima tramite Dime e poi in combo) è appagante, ma il vero punto forte è come la meccanica si evolve quando si ha a che fare con la Burattinaia. Essendo l’antagonista principale del capitolo, crea naturalmente alcuni dei momenti più tesi del DLC, eppure la capacità di Dime di stordirla brevemente aggiunge un livello completamente nuovo agli scontri. È un’idea sorprendentemente innovativa per la serie. Per una volta, essere scoperti non è una condanna a morte immediata. Un uso tempestivo della lampadina può creare una piccola finestra utile per fuggire, riprendersi e/o continuare a muoversi furtivamente.
Un singolo cambiamento – per quanto piccolo – ha un impatto notevole sul ritmo generale. La tensione rimane intatta perché si è ancora vulnerabili, ma il maggiore margine di errore rende le sequenze stealth meno rigide e più dinamiche. Invece di dover memorizzare un percorso perfetto e sperare di non commettere errori, si hanno a disposizione mezzi limitati per reagire quando le stanno per prendere una brutta piega. Questo crea alcuni degli scontri stealth più interattivi che la serie abbia mai visto.
Grafica e regia
Sul piano visivo, il DLC resta pienamente dentro la grammatica di Little Nightmares III: scenari deformati, scala sproporzionata, luci basse e un gusto per il perturbante che nasce dalla composizione dell’inquadratura più che dall’eccesso di dettagli. Il Carnevale è già una delle ambientazioni più forti del gioco base, e The Backstage sembra scavare proprio in quella direzione, scegliendo spazi più chiusi, più opprimenti e più teatrali.
La regia continua a essere uno degli strumenti più efficaci della serie, perché guida lo sguardo senza mai renderlo davvero sicuro di ciò che sta osservando. Anche quando il DLC introduce nuovi elementi, li inserisce in un linguaggio visivo coerente, fatto di silhouette nette, colori spenti e accenti luminosi che isolano gli elementi interattivi in un ambiente ostile.
Aspetto tecnico
Su PS5 Pro, il DLC si appoggia alla base tecnica del gioco principale, quindi il giudizio va letto come continuità più che come un banco di prova separato. Non emergono, dal nostro provato, segnali di problematiche gravi o di compromessi evidenti che facciano pensare a una resa inferiore rispetto al capitolo base. L’impressione è quella di un contenuto costruito per essere stabile e leggibile, con tempi di caricamento rapidi e una presentazione che punta tutto sulla coerenza dell’atmosfera. In un’espansione di questo tipo, la solidità tecnica conta soprattutto per non spezzare la tensione, e The Backstage sembra muoversi – al netto di qualche piccolissimo bug – esattamente in quella direzione.
Il comparto sonoro non è dissimile da quello di Little Nightmares; non è mai semplice accompagnamento: è parte della minaccia. Anche qui il lavoro su ambienti, rumori metallici, scricchiolii e presenze fuori campo serve a costruire un senso di pericolo costante, mentre la colonna sonora interviene con parsimonia per amplificare i momenti più tesi.
La nuova ambientazione trae vantaggio proprio da questa impostazione, perché il Carnevale dietro le quinte può essere reso ancora più disturbante attraverso echi ovattati, meccanismi invisibili e segnali acustici che suggeriscono sempre qualcosa di sbagliato poco oltre l’inquadratura. È un lavoro che non cerca la melodia memorabile a tutti i costi, ma la pressione emotiva.
Commento finale
The Backstage è un’espansione che funziona soprattutto perché comprende bene il materiale di partenza e decide di non sprecare tempo in deviazioni superflue. Dove Little Nightmares IIIa tratti dava l’impressione di voler rimanere troppo fedele alla propria formula, questo DLC concentra meglio atmosfera, ritmo e identità, costruendo un’esperienza più serrata e, in diversi passaggi, più incisiva. Non cambia radicalmente la natura della serie, ma ne affina alcuni aspetti con maggiore decisione, soprattutto nel modo in cui mette in scena la tensione, il senso di vulnerabilità e la dimensione visiva dell’incubo. Il merito maggiore dell’espansione sta nella sua capacità di dare forma a un nuovo frammento di questo universo. Il Carnevale visto da dietro le quinte diventa un luogo ancora più disturbante proprio perché perde ogni patina di spettacolo e rivela la sua vera natura di spazio ostile, deformato e minaccioso. In questo senso, la presenza di Dime e della Burattinaia non serve solo ad aggiungere personaggi nuovi, ma a rafforzare la sensazione di trovarsi in una parentesi narrativa precisa, dove ogni elemento è pensato per sostenere un clima di oppressione costante.
Anche sul piano ludico, The Backstage sembra trovare un equilibrio migliore rispetto al capitolo principale, perché concentra le sue idee su un’impostazione più lineare e leggibile. La nuova dinamica legata alla luce e alla collaborazione più funzionale tra i protagonisti rende gli enigmi meno dispersivi e più coerenti con l’ambientazione, mentre le sezioni di tensione e inseguimento beneficiano di una costruzione più compatta. Resta però un contenuto che si gioca molto sulla compattezza, e quindi anche sui suoi limiti. Chi cerca una vera espansione capace di allargare in modo significativo le meccaniche del gioco base potrebbe trovarlo meno ambizioso di quanto sperasse. Alcune soluzioni restano conservative, e il DLC non spezza davvero gli argini della formula di Little Nightmares, preferendo perfezionarla piuttosto che metterla in discussione. È una scelta legittima, ma anche quella che impedisce al pacchetto di trasformarsi in qualcosa di davvero sorprendente. Nel complesso, però, The Backstage lascia un’impressione migliore di quella del gioco base proprio perché appare più centrato, più compatto e più sicuro di sé.
Annunciati durante il Pokémon Presents dello scorso febbraio, Pokémon Vento e Pokémon Onda rappresentano la decima generazione della serie principale dei mostriciattoli tascabili. I due titoli sono chiamati a inaugurare una nuova fase per il franchise, con una regione inedita, nuovi Pokémon e possibili cambiamenti alle meccaniche di gioco. Ma quando escono?
A quanto pare, Pokémon Vento e Pokémon Onda potrebbero arrivare sul mercato nel settembre 2027. A suggerirlo è un’indiscrezione diffusa da Centro Leaks. Game Freak avrebbe individuato proprio quel mese come obiettivo interno per il lancio dei nuovi capitoli principali della serie. La notizia, al momento, va trattata esclusivamente come una voce di corridoio.
Tuttavia, la tempistica appare plausibile: i nuovi episodi sono già attesi per il 2027 e un’uscita a settembre permetterebbe alla serie di posizionarsi all’inizio della stagione autunnale, periodo tradizionalmente strategico per il mercato videoludico. Non si tratterebbe necessariamente di una data definitiva, ma di un riferimento interno che potrebbe essere modificato in base all’andamento dei lavori di sviluppo.
Al momento, però, le informazioni ufficiali restano limitate. Dopo l’annuncio, The Pokémon Company non ha ancora approfondito nel dettaglio ambientazione, struttura, novità di gameplay o sistema di combattimento. Proprio quest’ultimo, secondo alcune speculazioni circolate dopo il Presents, potrebbe essere oggetto di modifiche rispetto alla formula tradizionale.
Se la finestra di settembre 2027 dovesse essere confermata, ci sarebbe comunque ancora molto tempo per scoprire nuovi dettagli. Nei prossimi mesi è probabile che Game Freak e The Pokémon Company tornino a mostrare i due giochi, chiarendo progressivamente quale direzione prenderà la nuova generazione della serie.
Sembra quasi che Ninja Theory abbia voluto mettere le cose in chiaro fin da subito: questa volta Senua non si accontenta di un viaggio breve e concentrato, ma si prende tutto lo spazio necessario per raccontare una storia più ampia, più fisica, più immersa nel mondo che la circonda. L’idea che il nuovo capitolo sia “più lungo e più espansivo” rispetto ai precedenti Hellbladenon arriva come un dettaglio tecnico, ma come una dichiarazione d’intenti: il team vuole che il giocatore senta il peso del percorso, che attraversi luoghi più aperti, che respiri un mondo meno claustrofobico e più vivo.
La protagonista resta sempre la stessa, con quella sua lotta interiore che è diventata il marchio della serie, ma stavolta il contesto sembra volerle dare più respiro. Non si parla solo di durata maggiore, ma di un’avventura che si apre, che si lascia esplorare, che non ha paura di mostrare scenari più vasti e di costruire un ritmo meno serrato. È come se Ninja Theory avesse deciso di far crescere Senua insieme al suo mondo, lasciando che la narrazione si intrecci con un gameplay più articolato, più ricco di momenti da vivere e non solo da attraversare.
Il tono resta quello tipico della saga, sospeso tra realtà e allucinazione, tra il dolore e la determinazione, ma la sensazione è che questa volta ci sia più spazio per lasciarsi trasportare. Non più solo un corridoio emotivo, ma un viaggio vero e proprio, con deviazioni, respiri, incontri e ostacoli che non servono solo a spingere la trama, ma a farla sedimentare. Una scelta che potrebbe dare nuova linfa alla serie e che, almeno dalle prime informazioni, sembra voler spingere Hellblade verso una dimensione più vicina all’action‑adventure tradizionale, senza però rinunciare alla sua identità.
Senua è atteso per il 2027 su Xbox Series X|S, PS5 e PC, segnando un ritorno in grande stile per una delle saghe più particolari del panorama action‑narrativo.
L’annuncio ha spiazzato molti, ma i segnali erano tutti lì, seminati con cura lungo la seconda stagione. Ora quei segnali prendono forma: la terza stagione di The Pitt si allontanerà in modo netto dalla struttura che l’aveva fatta accostare ai grandi medical drama del passato, ER su tutti. Cambi di cast, spostamenti interni al personale, un salto temporale e un’attenzione crescente alla salute mentale stanno ridisegnando l’identità della serie. Non è ancora chiaro se il pubblico seguirà questa virata con entusiasmo o con diffidenza, ma una cosa è certa: la formula “pronto soccorso, emergenza, dilemma etico” non basta più a contenere quello che The Pitt vuole diventare.
Addii pesanti e rotazioni inattese
La prima conferma che ha scosso i fan riguarda l’uscita di scena della dottoressa Samira Mohan, interpretata da Supriya Ganesh. Per tutta la seconda stagione, il personaggio ha lasciato intendere un malessere crescente, la sensazione di essere arrivata al capolinea. Da specializzanda al quarto anno, la sua decisione di lasciare l’ospedale ricalca il percorso già tracciato dalla dottoressa Heather Collins nella prima stagione. Resta il fatto che la sua assenza peserà, eccome.
Non se ne va, ma cambia radicalmente traiettoria, Victoria Javadi. Shabana Azeez ha confermato che il suo personaggio ha completato la rotazione in pronto soccorso e inizierà un tirocinio in psichiatria. Ha senso, per una ventenne prodigio schiacciata dalle aspettative di genitori entrambi medici nello stesso ospedale: cercare uno spazio tutto suo, un reparto dove la pressione familiare si allenti, è una mossa credibile. Peccato che per seguirla la telecamera dovrà spostarsi sempre più spesso fuori dal pronto soccorso.
Meno emergenze, più psichiatria
Finora la psichiatria era rimasta ai margini, affidata a comparizioni rapide del dottor Caleb Jefferson e dell’assistente sociale Dylan Easton. La seconda stagione ha iniziato ad ampliare questo spazio, ma la terza promette di farne un perno narrativo. Anche perché il dottor Robby, interpretato da Noah Wyle, attraverserà un periodo molto buio: lo stesso Wyle ha parlato di un personaggio destinato a “toccare il fondo”, con una guarigione lenta e tutt’altro che lineare.
Questa evoluzione avvicina The Pitt a modelli come New Amsterdam, dove il reparto di psichiatria guidato dal dottor Frome aveva archi narrativi paragonabili per peso e minutaggio a quelli del pronto soccorso o della chirurgia. Non è più solo questione di codici rossi e interventi d’urgenza: il trauma emotivo, il burnout, la fragilità dei medici diventano materia narrativa centrale.
Un altro giorno, un’altra stagione
La terza stagione farà anche un salto temporale netto: dal weekend del 4 luglio, in cui si svolgeva la seconda, si passerà all’inverno. Poiché ogni stagione racconta un’unica giornata, cambieranno anche i casi clinici. Congelamenti, incidenti stradali su strade ghiacciate, patologie legate al freddo: il campionario di emergenze si rinnova completamente. Anche ER giocava con i cambi di stagione, ma lo faceva tra un episodio e l’altro, non tra un’intera annata e la successiva. La struttura a stagione-giornata rende la virata ancora più marcata.
Il cambiamento non è un problema, se è coerente
Che The Pitt si stia allontanando dalla formula ER è sotto gli occhi di tutti. Ma questo non significa che stia tradendo la propria anima. Le dinamiche tra Robby, gli specializzandi, gli infermieri e i pazienti restano il cuore pulsante della serie. L’attrito tra ruoli, la tensione di chi impara sul campo, il dramma personale tenuto a bada mentre si salva una vita: tutto questo rimane.
Cambia il baricentro, non la sostanza. E se la salute mentale del dottor Robby è destinata a restare un tema aperto, allora ha senso che la psichiatria guadagni minuti e profondità. Dopo un crollo psicologico così grave, nessuno si rimette in piedi con un semplice stacco tra una stagione e l’altra. The Pitt sembra voler prendere sul serio questa verità, e la scelta le fa onore.
Più realismo, non meno identità
L’addio di Samira Mohan dispiace, ma è anche un pezzo di realismo. In un ospedale universitario gli specializzandi ruotano, completano i percorsi, cambiano reparto o città. Alcuni mollano per la pressione, altri ricevono offerte migliori. Lo show lo mette in scena senza addolcirlo, e nel frattempo promuove la dottoressa Parker Ellis a personaggio principale per la terza stagione.
Guardando alla storia di ER, poi, ci si accorge che anche lì i cambi di cast erano frequenti. Jing-Mei “Deb” Chen apparve a metà della prima stagione per poi scomparire nella seconda; Jeanie Boulet e Kerry Weaver entrarono nella seconda; la terza stagione rimescolò ancora le carte. The Pitt non sta facendo nulla di così diverso, solo lo sta annunciando con largo anticipo.
Prendere la formula e adattarla, non buttarla via
Scott Gemmill, il creatore della serie, ha detto che la terza stagione integrerà anche temi d’attualità, come le modifiche a Medicare e Medicaid. La serie continuerà a funzionare da specchio sociale, come ha sempre fatto. The Pitt non sta abbandonando la formula ER: la sta piegando a una sensibilità più contemporanea, mescolandola a suggestioni che arrivano da New Amsterdam, Chicago Med, Brilliant Minds.
Non ha bisogno di essere già definita un classico moderno. Deve solo continuare a raccontare, con onestà e precisione, com’è il pronto soccorso di un grande ospedale universitario visto da chi ci lavora dentro ogni giorno. Se per farlo occorre allargare lo sguardo ad altri reparti, seguire personaggi fuori dalla propria comfort zone e accettare che le stagioni cambino, insieme al meteo e agli stati d’animo, allora è una direzione che merita fiducia.
La SteelSeries Arctis Nova Pro Omni è, oggi, una delle cuffie gaming wireless più complete e ambiziose in assoluto: prende l’idea già fortissima delle Nova Pro Wireless e la spinge più in alto su connettività, gestione simultanea delle sorgenti, ANC, software e qualità generale del pacchetto, mantenendo però quella filosofia da prodotto senza compromessi (o quasi). Rispetto alle Arctis Nova Pro Wireless, il salto più importante non è solo nel nome, ma nel sistema OmniPlay e nel supporto a fino a 4 sorgenti audio insieme, oltre al pacchetto Hi-Res 96 kHz / 24 bit, al microfono ClearCast Pro con AI noise suppression e all’Infinite Power System con doppia batteria hot-swap. Il prezzo è alto, ma il pacchetto ha una logica precisa: offrire un unico centro di controllo per chi vive davvero il gaming tra più piattaforme.
Specifiche tecniche
Sul piano tecnico, la dotazione è molto ricca: trasmissione wireless a bassa latenza con codec LC3+ e certificazione Hi-Res Wireless 96 kHz / 24 bit, risposta in frequenza 10 Hz–40 kHz, driver da 40 mm e impedenza di 38 ohm. La batteria segue il sistema Infinite Power con due accumulatori hot-swap e autonomia dichiarata fino a 60 ore complessive, con valori più bassi a seconda dell’uso di ANC, 2.4 GHz e Bluetooth. Sul lato connettività, OmniPlay permette di mescolare fino a 4 sorgenti, combinando USB, Bluetooth e line-in, mentre la base integra anche funzioni di controllo in tempo reale per volumi, mix ed EQ.
Specifiche rapide
Voce
Dettaglio
Prodotto
SteelSeries Arctis Nova Pro Omni
Tipologia
Cuffie gaming wireless premium
Driver
40 mm
Risposta in frequenza
10 Hz – 40 kHz
Connettività
Wireless a bassa latenza, Bluetooth
Sistema batteria
Doppia batteria hot-swap
ANC
Sì
Microfono
Retrattile, con soppressione rumore assistita da IA
Base station
Sì, con funzioni avanzate di gestione delle sorgenti
Prezzo di listino
399,99 €
Colorazioni
Midnight Blue, bianco e nero
Unboxing e dotazione
L’esperienza di unboxing è volutamente premium e molto da prodotto flagship: cuffie, base station/GameHub, batterie sostituibili, sacca porta cuffie (che poteva essere curata meglio), cavi e manualistica costruiscono l’idea di un ecosistema più che di un semplice headset. La confezione comunica subito la vocazione multipiattaforma e il fatto che il vero cuore del prodotto non siano solo le cuffie, ma la base station – che concentra ricarica e gestione delle sorgenti – e il sistema di gestione audio complessivo. Anche sul fronte percezione, SteelSeries punta molto sull’effetto “setup di riferimento”, e l’apertura della scatola è coerente con il posizionamento premium. La presenza delle batterie intercambiabili è uno dei tratti più distintivi dell’offerta. È una soluzione concreta, utile e ancora oggi relativamente rara in questo segmento, perché elimina quasi del tutto il vincolo della ricarica tradizionale. Per chi usa le cuffie molte ore al giorno, è uno dei vantaggi più immediati e tangibili.
Design e costruzione
Le Arctis Nova Pro Omni adottano un linguaggio estetico sobrio, pulito e decisamente meno aggressivo di molte concorrenti gaming che punta più alla sostanza che all’effetto scenico. La struttura restituisce una buona sensazione di solidità, pur senza raggiungere quel livello di matericità che alcuni utenti si aspetterebbero da una fascia di prezzo così alta.
La cinghia di sospensione flessibile regolabile a 3 punti resta una delle soluzioni più intelligenti della linea Arctis Nova e che l’azienda aveva già valorizzato sulle Nova Pro Wireless. Aiuta a distribuire meglio il peso e rende l’indossabilità più stabile, anche se il comfort finale dipende molto dalla conformazione della testa e dalla durata delle sessioni. Non sono cuffie leggere (il peso – abbiamo pesato le cuffie su una bilancia da cucina – è esattamente di 336 g), e questo si percepisce fin dai primi minuti d’uso. La costruzione mixa materiali plastici, elementi metallici (l’archetto è in metallo) e padiglioni ben rifiniti. Il risultato è un prodotto che dà l’impressione di essere solido e maturo, anche se l’uso massiccio di plastica (a differenza delle Nova Elite che presentano componenti e controlli in metallo) – in questa fascia di prezzo – resta una scelta che qualcuno potrebbe considerare meno esclusiva del dovuto.
Il comfort complessivo (anche se si indossano gli occhiali) è buono, ma non “leggerissimo”: la sospensione interna e la distribuzione del peso funzionano, e la regolazione a 3 punti aiuta a trovare il giusto posizionamento. I padiglioni in memory foam e rivestimento in eco-pelle contribuiscono a una sensazione avvolgente, con un isolamento passivo già valido indipendentemente dall’ANC. Il rovescio della medaglia è che, come spesso accade con cuffie chiuse e ricche di funzione, il caldo (i padiglioni auricolari in similpelle sono molto comodi, ma si scaldano sensibilmente dopo solo un’oretta/oretta e mezzo di utilizzo) e la pressione nel lungo periodo possono farsi sentire più che sui modelli più leggeri e ariosi.
Quando si estrae il microfono ad asta, si accende una spia rossa che indica che è disattivato. Dietro al microfono si trova un interruttore analogico per disattivare l’audio, insieme al pulsante di accensione e alla rotella zigrinata per la regolazione del volume. La rotella zigrinata è reattiva, con grandi sporgenze a gradini e la rotazione risulta fluida. Il pulsante di accensione funge anche da interruttore per la cancellazione attiva del rumore (ANC). Sul padiglione destro è presente un pulsante per l’accoppiamento Bluetooth che funge anche da controllo della riproduzione. I comandi sono piuttosto intuitivi e non abbiamo avuto bisogno di consultare il manuale per comprenderli. Tuttavia, i padiglioni auricolari offrono molto di più dei semplici controlli.
Infatti, entrambi i padiglioni auricolari presentano placche rimovibili, con una porta di ricarica USB-C nascosta sul lato sinistro. Non che dobbiate usarla, dato che sotto la placca destra si trova una batteria facilmente sostituibile. Le SteelSeries Arctis Nova Pro Omni – come anticipato – sono dotate di due batterie intercambiabili. Una può essere lasciata in carica nella base di ricarica dell’hub wireless.
Base station e multi-sistema
La base station rappresenta il cuore pulsante del progetto. Non è un semplice dock di ricarica, ma un vero hub di gestione audio, pensato per centralizzare più dispositivi e più flussi in un unico punto di controllo. È qui che le Nova Pro Omni si differenziano davvero da tante alternative wireless più tradizionali.
Rispetto alle Arctis Nova Pro Wireless, il sistema Omni alza ulteriormente l’asticella nella gestione simultanea delle fonti. Il vantaggio pratico è evidente per chi usa PC, console e smartphone nella stessa postazione, oppure per chi vuole gestire più ingressi senza continui cambi di cavo o di periferica. È una soluzione che ha senso soprattutto per utenti avanzati e setup multi-piattaforma.
Nello specifico: OmniPlay fa un passo ulteriore, perché la base permette di arrivare a 4 sorgenti simultanee, integrando USB 1, USB 2 e USB 3/XBOX, Bluetooth e line-in/line-out in un uso molto più flessibile per PC, console, smartphone e altri sistemi. È un vantaggio reale per chi lavora, gioca e ascolta contenuti su più piattaforme nella stessa postazione (noi abbiamo optato per l’uso con PC, PS5 Pro e Xbox Series X).
La manopola zigrinata sull’hub wireless è smorzata ma risulta leggermente ruvida al tatto. C’è anche un pulsante a sfioramento che, se tenuto premuto, scorre tra le schermate OLED. Lo schermo visualizza i livelli di tutti i dispositivi connessi o l’equalizzazione attualmente applicata.
Modalità d’uso
Le SteelSeries Arctis Nova Pro Omni sono compatibili praticamente con tutte le console immaginabili. Il supporto ufficiale include PC (Windows e macOS), PlayStation, Xbox, Switch, Quest, Android e iOS. La confezione include due cavi da USB-C a USB-A. Tuttavia, manca un cavo AUX da 3,5 mm, che sarebbe stato utile, anche se la connessione wireless è la modalità principale di utilizzo delle cuffie.
Le modalità d’uso avanzate sono numerose e, per chi ama smanettare con l’audio, molto appaganti: mix di fonti, ChatMix, regolazione dei profili EQ, gestione separata dei canali e controllo immediato dalla base o dal software. Il sistema è pensato per chi vuole tenere contemporaneamente gioco su console, chat su PC e magari musica o notifiche da smartphone senza interrompere il flusso. È proprio qui che l’Omni si distacca dalle cuffie gaming più semplici e tradizionali: non cerca solo di suonare bene, ma di diventare un piccolo mixer personale. Se però si usa una sola piattaforma, gran parte di questa ricchezza rischia di restare sottoutilizzata.
Qualità audio
La resa sonora è di livello molto alto (ma attenzione: l’audio predefinito non è l’ideale per lunghe sessioni di ascolto o per la musica e pertanto è necessario agire sull’EQ per trovare la firma sonora desiderata) per il segmento gaming wireless, con una firma che privilegia pulizia, separazione e controllo rispetto a un effetto spettacolare o eccessivamente pompato. I driver magnetici al neodimio da 40 mm e il tuning aggiornato, ispirato alla fascia più alta della gamma SteelSeries, puntano a una risposta più raffinata e a una maggiore leggibilità nei dettagli grazie ai miglioramenti sul versante dei driver premium e dell’acustica complessiva rispetto alla generazione precedente.
In gaming questo approccio funziona molto bene. Nei titoli competitivi la lettura degli effetti è chiara, mentre nei single player il suono resta sufficientemente pieno da non risultare troppo analitico o freddo. È una firma sonora che privilegia la precisione, ma senza rinunciare alla piacevolezza generale.
A differenza della maggior parte delle cuffie, è possibile ottenere l’audio simultaneamente da due sorgenti: l’hub wireless e il Bluetooth. Abbiamo notato che, anche quando si è connessi a più dispositivi, non si avverte alcun calo di qualità. Quindi, si percepisce chiaramente l’intera larghezza di banda pur avendo due segnali audio simultanei.
Gaming e latenza
In gaming le Arctis Nova Pro Omni si muovono nel loro habitat naturale: latenza contenuta, buona separazione spaziale e un profilo che aiuta molto nella localizzazione di passi, effetti ambientali (in particolar modo le esplosioni) e direzionalità (effetti che siamo riusciti ad apprezzare nel recente 007 First Light). La combinazione tra wireless a bassa latenza, codec LC3+ e base station rende il sistema adatto a sessioni sparatutto competitive senza quel senso di ritardo che potrebbe intaccare il senso di precisione. Anche le funzioni Sonar e i preset per i singoli giochi rafforzano la vocazione al gaming competitivo e alla personalizzazione fine del suono permettendo davvero di costruire un ambiente audio strategico.
Codec e musicalità
Sul piano musicale, le Omni fanno un passo avanti rispetto a molte cuffie gaming tradizionali perché il supporto Hi-Res 96 kHz / 24 bit e il codec LC3+ punta a una riproduzione più definita (soprattutto se si possiede un lettore audio portatile specifico) e più credibile anche con contenuti non ludici. La resa non è quella di una cuffia audiofila pura, ma la qualità è abbastanza alta da rendere piacevole ascolto quotidiano, playlist e video. Il fatto che SteelSeries permetta di regolare EQ e mix in modo così profondo aiuta molto a cucirsi addosso il suono. In questo senso, la musica è uno degli ambiti in cui il prodotto giustifica meglio il suo posizionamento premium.
La resa musicale è pulita, equilibrata e abbastanza dettagliata da rendere piacevole l’ascolto quotidiano. I bassi sono robusti e piacevoli (li abbiamo apprezzati in brani come Voices dei Motionless in White, Kingdom dei Downstait e Just Dance dei Sable. La gamma media (che ci ha convinto in un brano straordinario come It’s Been Awhile degli Staind mettendo in risalto il cantato intimo e graffiato di Aaron Lewis e il testo – chiaro e diretto – o ancora in 4:AM Forever dei Lostprophets. Troviamo qui il pianoforte, il rullante della batteria e soprattutto la voce, chiara ed emozionale. Anche le chitarre ritmiche usano distorsioni che lavorano molto sui medi) è ricca di dettagli e impatto. Infine, gli alti risultano morbidi e altrettanto dettagliati (il brano prescelto per “testarli” è “Snuff” degli Slipknot, dove il tocco metallico delle corde, i piatti della batteria e gli armonici della chitarra sono brillanti, ariosi e perfettamente a fuoco). Ribadiamo che non siamo ai livelli di una cuffia audiophile pura, ma il risultato – trovando anche il giusto setup sull’equalizzatore (noi abbiamo proprio creato un profilo apposito per l’ascolto musicale) – è superiore alla media del segmento gaming wireless. Per video, streaming e contenuti misti il giudizio resta altrettanto positivo. Il prodotto riesce a mantenere coerenza e versatilità in più scenari, senza mai dare l’impressione di essere fuori posto quando si passa dal gioco alla musica o alla fruizione multimediale.
Microfono e comunicazione
Il microfono ClearCast Pro è uno degli aspetti meglio riusciti dell’intero pacchetto: è retrattile, ben integrato nella cuffia e supportato da AI noise suppression, con una resa molto orientata alla pulizia del parlato (sebbene, smanettando con l’equalizzatore, abbiamo riscontrato alcune lievi criticità come un suono leggermente ovattato e – in alcune circostanze – robotico). Prediligendo un profilo neutro (con l’impostazione Clearcast AI Noise Cancellation a circa il 60%) la voce arriva pulita, presente e con una buona intelligibilità, supportata da una soppressione del rumore che aiuta parecchio in chat e nelle chiamate. È una soluzione integrata che si colloca tranquillamente sopra la media del mercato. Non sostituisce un microfono professionale esterno, ma per un uso quotidiano è più che convincente. In una cuffia di questo tipo, il microfono non è un elemento secondario: fa parte della promessa di esperienza completa, e qui la promessa viene mantenuta.
Ascoltate il campione audio del microfono delle SteelSeries Arctis Nova Pro Omni qui sotto:
ANC e isolamento
La cancellazione del rumore è un altro dei punti interessanti perché SteelSeries la propone su due livelli: ANC per isolare il giocatore e AI noise suppression per il microfono, pensata per ripulire la voce in modo più aggressivo e coerente su tutte le piattaforme. Si parla di una riduzione del rumore ambientale fino al 96% e di una riduzione del rumore esterno fino al 40% più efficace rispetto ai concorrenti, con modalità trasparenza inclusa. Nella pratica, questo approccio è molto utile in ambienti rumorosi o open space, perché non si limita a chiudere il suono attorno all’orecchio, ma lavora anche sulla chiarezza del parlato. Questo vale soprattutto per i rumori di bassa e media frequenza, come il rumore sordo della tastiera meccanica, le ventole del PC da gaming e le conversazioni provenienti dalla stanza. È una soluzione convincente, anche se l’ANC non è il motivo principale per cui si compra questa tipologia di headset: il vero valore sta nell’insieme delle funzioni.
Dual-battery e hot-swap
Il sistema a doppia batteria resta la soluzione più geniale dell’intero progetto. Una batteria lavora mentre l’altra si ricarica nella base station in un alloggiamento posizionato sul lato destro della stessa, e il passaggio tra le due avviene in modo semplice e immediato. Il risultato è un’esperienza praticamente continua, senza alcun tipo di pensiero relativo all’autonomia.
Nell’uso quotidiano questo si traduce in comodità reale. Chi indossa le cuffie per molte ore al giorno apprezza subito il fatto di non doversi organizzare attorno ai tempi di ricarica. È una scelta progettuale che incide davvero sulla qualità dell’esperienza. Se, per qualsiasi motivo, entrambe le batterie si scaricano, SteelSeries garantisce 4 ore di riproduzione con una ricarica di soli 15 minuti. Ciò significa che è possibile continuare ad ascoltare musica senza limiti.
Software e personalizzazione
SteelSeries GG e Sonar sono una parte essenziale e imprescindibile del valore complessivo. Il software permette di agire su EQ, bilanciamento, preset e profili dedicati ai singoli giochi o alle diverse applicazioni. La profondità di personalizzazione è notevole e rafforza la vocazione enthusiast del prodotto. La presenza di funzioni avanzate per il controllo in tempo reale, sia da desktop sia da app mobile, rende il prodotto molto flessibile. La parte interessante è che il software non serve solo a “correggere” qualcosa, ma a costruire il suono desiderato per diversi contesti: gioco competitivo, single player, musica, chat e utilizzo misto (consentendo persino di impostare preset di equalizzazione separati per le connessioni a 2,4 GHz e Bluetooth). Il rovescio della medaglia è la complessità (per ottenere i sei profili che volevamo, ci abbiamo impiegato più di mezza giornata buona di lavoro). Per chi vuole una soluzione immediata, il sistema può risultare più articolato del necessario. Per l’utente giusto, però, è uno strumento che amplia molto il potenziale delle cuffie.
Se invece siete giocatori su console e non avete accesso a un computer, potete utilizzare – come già fatto con le Arctis Nova 7X Wireless Gen 2 – l’app Arctis per dispositivi mobili. È un po’ più limitata. Ad esempio, non è possibile creare un equalizzatore personalizzato, ma si può comunque scegliere tra un’ampia gamma di preset (circa 200).
Burn-in della base station
Il tema del burn-in della base station va considerato con attenzione. Nelle testimonianze più diffuse sul prodotto precedente e sulla famiglia Nova Pro, alcuni utenti – fra cui anche il nostro Arturo che dopo circa 18 mesi di utilizzo normale della cuffia, a causa del burn-in, ha evidenziato problemi al display – hanno segnalato segni di usura o immagini persistenti sul display della base, un problema che rovina l’esperienza su un accessorio che dovrebbe invece essere il centro di comando del sistema. Non è un problema che emerge in modo uniforme su tutti gli esemplari, ma il semplice fatto che possa verificarsi pesa nella valutazione di un prodotto così costoso e ambizioso. Su un headset da quasi 400 euro, ogni incertezza legata alla base station assume un peso specifico maggiore. Non compromette l’intero progetto, ma resta un elemento da tenere presente prima dell’acquisto.
Prezzo e valore
Il prezzo di listino, 399,99 €, colloca le Arctis Nova Pro Omni in una fascia chiaramente premium. Il loro valore emerge soprattutto quando si sfrutta davvero l’insieme delle funzioni: multi-sistema, base station, hot-swap, ANC, software e gestione di più dispositivi in contemporanea. Se invece si cerca solo una buona cuffia wireless da gaming, il rapporto qualità/prezzo diventa molto meno immediato. Il prodotto ha senso soprattutto per chi vuole un hub audio completo e non una semplice periferica da ascolto.
Commento finale
Le SteelSeries Arctis Nova Pro Omni sono una delle cuffie gaming più complete e meglio pensate di questa generazione: suonano bene, sono estremamente flessibili, hanno un microfono superiore alla media, un software profondo e una base station che, quando la si usa davvero, cambia il modo in cui si gestisce il proprio setup audio. Il loro limite principale non è la qualità, ma il posizionamento: costano tanto, richiedono un utente che sappia apprezzarne la complessità e, nel loro ecosistema, alcuni difetti o compromessi – come il peso, il calore che emanano anche dopo poche ore di utilizzo, la presenza di elementi plastici e il possibile burn-in della base – diventano più visibili proprio perché il prezzo di listino è molto alto. Rispetto alle Arctis Nova Pro Wireless, le Omni sembrano una versione più matura e più moderna della stessa idea, con una logica multi-sistema ancora più forte e una vocazione da centro audio definitivo più convincente. Per chi cerca un headset unico per PC, console e mobile, e vuole davvero sfruttare mix, ANC e doppia batteria, è un prodotto che ci sentiamo di consigliare. Restano però cuffie molto costose e non universalmente necessarie. Sono eccellenti per l’utente giusto, meno sensate per chi cerca semplicemente una buona cuffia wireless da gaming.
La celebrazione del decimo anniversario di Dead by Daylight ha portato con sé più di un omaggio alla community: Behaviour Interactive ha svelato ufficialmente chi guiderà l’atteso adattamento cinematografico. La regia è stata affidata all’islandese Thordur Palsson, mentre la sceneggiatura porta la firma di due nomi di peso dell’horror e del fantasy contemporaneo. Un annuncio che trasforma un progetto di cui si parlava dal 2023 in una macchina produttiva concreta, destinata a portare l’incubo della Nebbia lontano dagli schermi di gioco.
Un team creativo da blockbuster horror
Sul palco dell’evento, Palsson è apparso accanto a Jason Blum, fondatore di Blumhouse, e al produttore Stephen Mulrooney. Un trio che lascia intuire la volontà di costruire un ponte solido tra il linguaggio del videogioco e quello del cinema horror ad alto budget.
Il regista islandese, già dietro la macchina da presa per The Damned e la serie The Valhalla Murders, lavorerà su una sceneggiatura scritta da Alexandre Aja e David Leslie Johnson-McGoldrick. Aja ha diretto Crawl, Piranha 3D e Never Let Go, mentre Johnson-McGoldrick ha firmato tre capitoli della saga The Conjuring ed entrambi i film di Aquaman. Un curriculum che mescola tensione, jumpscare e immaginario pop.
La visione di Palsson
Le parole del regista, riportate durante il broadcast, tracciano un perimetro preciso. Nessuna promessa di semplici trasposizioni meccaniche, ma la ricerca di una sensazione primaria, quasi fisica, che chiunque abbia passato una notte nei panni di un sopravvissuto conosce bene.
«La priorità, per me, è restituire la sensazione esatta che si prova giocando a Dead by Daylight», ha spiegato Palsson. «Voglio che lo spettatore senta il bisogno di guardarsi alle spalle. Voglio portare sullo schermo l’angoscia, la tensione, la paura di ciò che si nasconde nella Nebbia.»
E ancora: «Mi appassiona l’horror che continua a lavorarti dentro anche dopo la fine del film. È esattamente il tipo di esperienza cinematografica che vogliamo costruire per voi.»
Set iconici e un orizzonte al 2027
La trasposizione attingerà a piene mani dall’universo visivo del gioco. La tenuta MacMillan e Greenville sono già state confermate tra le location del film, luoghi che per milioni di giocatori rappresentano molto più di semplici mappe. Le riprese sono attese per il 2027, un calendario che suggerisce un lungo lavoro preliminare su effetti visivi, scenografie e casting.
La prima notizia di un adattamento cinematografico risaliva al marzo 2023, ma all’epoca il progetto era stato descritto come ancora in fase embrionale. Cercare sceneggiatore e regista era il passo immediatamente successivo. Ora quel percorso è definito e i nomi coinvolti alzano le aspettative, allontanando il rischio di operazioni frettolose.
L’Universo di Dead by Daylight, tra icone e cultura pop
Sviluppato e pubblicato dallo studio canadese Behaviour Interactive, Dead by Daylight ha debuttato su PC nel 2016 per poi espandersi su PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series X|S e Nintendo Switch. La formula è nota: multiplayer asimmetrico uno contro quattro, con un killer a caccia di altrettanti sopravvissuti. Ma la vera forza del titolo sta nella capacità di intrecciare la propria mitologia originale con un pantheon horror che spazia da Halloween a Silent Hill, passando per Alien, Hellraiser, Scream, Resident Evil, The Texas Chainsaw Massacre e tanti altri. Con una menzione a parte per Nicolas Cage.
Ora che il profilo creativo del film ha volti e nomi, l’attesa entra in una fase diversa. Meno nebulosa, più concreta. Anche se, del resto, un po’ di Nebbia è esattamente quello che i fan vogliono ritrovare.
